Art amérindien sandpainting, paniers, poterie et peinture


Une beauté naturelle et l'appréciation évidente de la nature imprègne leur poterie indienne,
peintures, paniers, travail en cuir, peintures de sable, artisanat, mocassins et sculpture sur bois.







Indiens d'Amérique ont créé de nombreuses formes et dessins géométriques pour leur art et ceux-ci étaient
répétée et sont devenus des symboles représentatifs qui transcendent les barrières linguistiques tribales.
conceptions d'art autochtone est devenu une langue en soi, une forme de communication. l'harmonie
et l'unité détectée dans leur art est réel, et il offre la sérénité à ceux qui font l'expérience.
Nous espérons que vous apprécierez notre collection d'œuvres d'art amérindien, qui est beau et
expressif de tout art amérindien.

VUE D'ENSEMBLE DE L'ART AMÉRINDIENNE: PEINTURE, SCULPTURE, PANIERS, POTERIE, COUVERTURES

Le développement de l'art amérindien de la peinture, la sculpture et la vannerie différait
en fonction de l'environnement et le type de subsistance de chaque tribu indienne.

tribus de chasse tels que l'Apache et Sioux ne sont pas restés dans un endroit assez longtemps pour développer complexe
méthodes et conceptions d'art amérindien pour les pots et les contenants d'aliments qu'ils utilisés dans les cérémonies
ou pour une utilisation quotidienne.

Le besoin de se déplacer fréquemment afin de suivre la faune et de la maturation des plantes sauvages gardé beaucoup
tribus amérindiennes d'activités artistiques qui les obliger à l'art non essentiels
objets en se déplaçant à un terrain de chasse différent.

En plus de leur beauté, l'art indigène, des pots et des figurines faites par les Indiens du sud-ouest
ont beaucoup d'histoires à raconter, pour l'histoire de la céramique Pueblo est aussi l'un des échanges, la conquête, la proximité
aux villes américaines et les lignes de chemin de fer, qui restent dans une zone pendant de longues périodes, et le déplacement
relations indiennes inter-villages au cours des deux mille dernières années.

Crosscurrents d'échange et de communication entre les nombreux peuples autochtones américains sont visibles dans
leurs céramiques et d'autres formes d'art. Ainsi, l'influence est visible dans leurs œuvres d'art du Trading Post
et les touristes qui y ont afflué pour acheter de l'art amérindien et façonné son développement.

Empiétement et la persécution a changé beaucoup de formes d'art amérindien
tribus amérindiennes du Sud-Ouest sont restés dans la même région pour des centaines, sinon des milliers
des années. Ils avaient appris à cultiver ce dont ils avaient besoin des siècles avant que de nombreux autres autochtones
tribus américaines. Cela leur a permis de construire sur l'art autochtone fait par les générations précédentes, et
établir une histoire visible du développement de leurs formes d'art créatif.

Certaines tribus amérindiennes, qui avaient été transplantées de force à des réserves, ne pouvaient pas continuer
en utilisant leur agriculture traditionnelle, ni créer des pots, des paniers ou d'autres formes d'art qu'ils avaient élaboré
traditionnellement poursuivi.

Est-ce que les Sioux Lakota de la poterie indienne?
Réponse: Lakota Sioux Indiens d'Amérique a produit des poteries indigènes, vanneries et sculptures sur bois,
jusqu'à
ils sont devenus une tribu nomade. Au 18ème siècle, ils avaient abandonné leur agriculture traditionnelle
coutumes en faveur d'une culture orientée nomade, cheval. Cela ne permettait pas l'art amérindien
qui ne pouvait être transporté en se déplaçant avec les troupeaux de bisons.

Plutôt que de développer leurs capacités dans les activités d'art autochtone habituelles de vannerie et la fabrication de pot, Lakota
artistes concentrés sur la peinture des dessins en cuir élaborés sur des peaux de bison. Après une chasse au bison,
ils ont enlevé la viande pour la nourriture, les os pour fabriquer des outils et de la peau pour faire des tipis sur lequel ils
peint leurs conceptions de l'art autochtone. art amérindien Sioux avait évolué pour adapter leur nouveau style de vie.

Le sud-est, des terres boisées et du bassin des Grands tribus amérindiennes avaient étendu
le développement de leurs arts d'argile et de vannerie. Ils pourraient développer librement leurs conceptions d'art autochtone et
les techniques de cuisson et finition utilisés pour créer colorés, des jarres artistiques de longue durée. L'art autochtone de
le tissage d'un panier est devenu motifs de tissage artistique complexe et a élaborer, et les matériaux utilisés
est devenu plus durable et plus belle.

Fait intéressant, aucun des tribus artistiques autochtones d'Amérique utilisaient rouets ou en céramique pour créer
leur art. Comme alternative, les artistes autochtones ont fait des pots de bobine et pincement à la main comme ils le font aujourd'hui.

Poli uni-marchandises Amérindien, ou des pots de tous les jours en partie ont également été rouge et noir de la






répertoire tout au long de l'histoire de la céramique d'argile du sud-ouest des tribus amérindiennes.

Sud-ouest indien Poterie
la production d'art amérindien a été en grande partie régi par les conditions environnementales. le sud-ouest
l'adaptation indienne à cet environnement aride régi leur production d'art amérindien et
mode de vie. Ils étaient sédentaires, vivaient dans un endroit frais des maisons d'adobe, et pourrait faire de la poterie lourde du sol argileux
et l'art délicat natif Kachina et paniers, parce qu'ils ne ont pas besoin de le transporter d'un endroit à.
Ils cultivaient le maïs plantation des terres et l'élevage du bétail pour la nourriture et pourrait survivre en restant dans un
région. Cela leur a donné plus de temps libre pour être des gens très artistiques. Indiens d'Amérique du sud-ouest
produit belle poterie, paniers tissés, des couvertures, des tapis et des murs peints de Kiva.

La région sud-ouest aujourd'hui est un pôle d'attraction pour l'art amérindien et de tous les peuples artistiques
des cultures. Des preuves archéologiques montrent que ces tribus du sud-ouest ont toujours été ouverts à de nouvelles
conceptions d'art autochtone et influences culturelles.

Le plus intéressant est le fait que ils ont également encouragé premières influences américaines et européennes à
fusionner avec leurs styles d'art amérindien, y compris ceux de leurs paniers traditionnels, mur de Kiva
peintures et poteries indigènes.

Ce début sud-ouest de la civilisation indigène Mound Poterie était située dans la basse vallée du Rio
Puerco de l'Est, à la frontière entre les communautés Pueblo de Hopi, Zuni, et sur Acoma
l'Ouest et le Rio Grande Pueblos à l'Est.

Cette ouverture aux influences culturelles et artistes d'autres cultures est visible dans les caractéristiques spécifiques de
La technologie de la poterie indienne, les styles et les représentations symboliques incorporés dans leur pays natal
poterie, peintures murales d'art Kiva et d'autres céramiques peintes.

Quand les Européens et les premiers Américains ont dérivé dans la région, les tribus pueblo ont incorporé la
styles d'art et des éléments techniques en architecture Kiva et des peintures murales et de l'émail peint indien
poterie, respectivement.

Cette oscillation à l'influence américaine et européenne sur l'art Pueblo amérindien reflète la présence
des immigrants occidentaux et leurs descendants à ce début de village indien « Mound Poterie ».

Peinture de sable Indien Sud-Ouest
Les Navajos sont connus pour leurs belles peintures de sable, qui sont créés à partir d'images stockées dans
les mémoires collectives de leurs guérisseurs traditionnels. Ces souvenirs ont été transmis beaucoup
générations de guérisseurs précédents qui étaient chargés de faire des tableaux de sable pour cérémonie
des fins de guérison. Les Navajos ont créé cet art indigène d'apparat pour guérir les malades pour des centaines de
années. peintures de sable sont utilisés lors des cérémonies de guérison comme un moyen de communiquer avec les esprits
qui sont considérés comme ayant le pouvoir de guérir les maladies.

Pourquoi le Navajo détruire leurs propres peintures de sable?
Belle art amérindien créé dans le sable a toujours été détruite suivant le rituel de guérison.
La vue Navajo de cette nature temporaire de leur travail est évidente dans le mot Navajo pour cérémonie
peintures de sable. Ils l'appellent Iikh # 225; # 225; h, ce qui se traduit par « ils entrent et sortent. »

Au cours d'une cérémonie de guérison, la peinture de sable est aligné avec l'entrée de la cérémonie Hogan,
qui fait toujours face à l'est. Grâce à cette conception les yéii (esprits) peuvent entrer et sortir de la cérémonie.
Le cœur de chaque cérémonie de guérison est l'idéal Navajo de la beauté, l'harmonie et le bien-être et ils
appeler cette hozho. Le but de chaque cérémonie de guérison est de ramener le patient dans hozho, ou l'harmonie.
Lors de la cérémonie du patient intériorise l'image de hozho représentée dans les peintures de sable
utilisé dans les cérémonies de guérison, et expériences leur conception en tant que Mandalla spirituelle en termes duquel
la récupération physique peut avoir lieu.

Peinture amérindien
Indiens d'Amérique ne se développe pas entièrement les méthodes de peinture jusqu'au début des années 1900, quand l'extérieur
les pressions qui les amenés à adopter des techniques de la peinture occidentale. Le terme « style traditionnel » a été
appliqué à un genre de peinture qui a émergé entre la fin du XIXe siècle et les années
précédant la Seconde Guerre mondiale. Il fait référence à l'art autochtone des premières générations qui ont reconnu
eux-mêmes à l'origine d'un nouveau moyen d'expression créative, considérés comme tels par les clients
et les institutions qui leur a apporté son soutien.

La première peinture à l'aquarelle est attribuée à des artistes de la Pueblos du Haut Nouveau-Mexique
Rio Grande, appartenant à une période qui va de 1900 à 1930. Les jeunes hommes étaient Pueblo
étant
formés pour créer de beaux art autochtone au fameux « Studio » situé dans l'Indian School Santa Fe.

L'école a été supervisé par Dorothy Dunn, qui a fondé en 1932 le programme et est resté son
la force directrice pour les cinq prochaines années. L'influence de Dunn est considéré comme ayant pleinement réalisé la
caractéristiques du style de peinture amérindien, ainsi que d'assurer son généralisée
la diffusion et le succès commercial.

Les jeunes de nombreuses tribus ont convergé sur Santa Fe cherchant à étudier avec Dunn, qui a offert la
seul programme officiel de formation dans les arts visuels conçus pour les Américains autochtones à ce moment-là. Beaucoup
a continué à mettre en pratique les méthodes qu'elle préconisaient tout au long de leur vie et a encouragé la croissance
d'une phase ultérieure de la peinture traditionnelle qui a encore aujourd'hui une popularité considérable.

La profondeur et la perspective étaient limitées à des utilisations occasionnelles de chevauchement et raccourcis, alors que le
arrangement d'éléments dans le plan de l'image a servi comme principal moyen pour distinguer
entre les objets au premier plan et moyen terme. Les conventions formelles de traditionnelles autochtones
art nier ou minimiser l'espace illusionist, au lieu agencer les formes se distinguent par la forme et la couleur à l'intérieur
une zone picturale peu profonde.

Heureusement, les artistes amérindiens du début du 20e siècle se sont tournés vers des sujets non-occidentaux
encadrer allégories qui reflètent la culture et des symboles. Leur art autochtone a commencé à inclure
scènes de la vie domestique indien, les activités d'artisanat et de l'agriculture pour le plus grand bonheur de tous les observateurs.

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